:. . SUPERSPACE RECORDS - TRANSGRESIONES SÓNICAS, MINIMALISMO Y VISIONES

domingo, 15 de abril de 2018

SUPERFICIAL INTERVIÚ .: Superficial alude a lo onírico, lo que se puede ver y no tocar


Superficial es el proyecto del bonaerense Federico Schmid quien tras concretar 2 eps generosos en paisajes espaciales y psicodelia rural decidió conseguirse una banda para idear una música más cercana al dream pop/indie rock de gente como Galaxie 500 o Mogwai. Contrariando su nombre de batalla las canciones de Superficial van por el lado de la introspección, la melancolía y el bosquejo de una subjetividad ciertamente poética. Han sido producidos por Rodrigo Martín de los recordados próceres del shoegaze sudamericano Juana La Loca y preparan el lanzamiento de su Lp debut en una disquera británica. Así sin tanto barullo. 

Como vemos a pesar de la jodida situación socio-política en el país de los chés -pucha recuerdo cuando músicos que hacían techno dub illbient y lanzaban sus vinilos en Europa hablaban pestes de la Kirchner en redes, ¿cómo estarán pasándola hoy con el nuevo gobierno?- en tiempos de los conservas y Macri aún hay espacio para gente como Superficial y su visión de una Buenos Aires espacial. 

Con ustedes la entrevista a Federico Schmid factótum de la banda en Perú Avantgarde, el blog preferido por los más inquietos y rajados.


Qué tal un saludo desde Perú y gracias por la entrevista. Dígannos cómo así decidieron dar el paso del space-rock volado hacia un shoegaze un poco más indie si se quiere con influencias como Galaxie 500, Red House Painters o Kitchens of Distinction. Cuéntenos por favor ¿cómo ha sucedido tal metamorfosis en la banda también?

Hola, todo comenzó cuando tome la decisión de hacer un proyecto de música Ambient, utilizando herramientas del Shoegaze y el Dream Pop, pero con la esencia del Post-rock, es decir que debía ser estrictamente instrumental, ya que de este modo el receptor puede imaginarse una historia, de hecho todas las personas pueden imaginarse una historia distinta. Eso es algo que no sucede cuando existen las letras, ya que estas  cuentan una historia, entonces el receptor imagina en base al mensaje que está recibiendo. Eso es algo que tiene que ver con la libertad, uno de los pilares fundamentales del proyecto, creo que es muy interesante que el receptor  también pueda crear, en este caso una historia basada en un paisaje sonoro. En “La Conquista del Tiempo“, me alejo un poco de lo que es crear climas y atmósferas tan extremistas, las composiciones son mas en formato canción, no tan experimentales. La idea era que el proyecto se haga más fuerte en plan shoegazer y por eso busque colaboradores para que se encarguen del resto de los instrumentos, logrando el primer trabajo en formato banda, pero no es una formación estable, sigue siendo un proyecto solista muy experimental, ellos participaron de este último trabajo como también lo harán en el próximo si así lo desean.

¿Cuál es vuestro equipamiento? ¿Algún software quizás?

Mira con respecto a eso, trato de que las cosas sean lo menos artificial posible, apuesto a lo analógico, uso muchos pedales, trato de que los sonidos ya entren a una computadora con un sonido predeterminado. Estoy en contra de ciertos avances tecnológicos, y en términos generales, no solo en la música.

¿Qué os inspira para crear esas composiciones de corte melancólico e intimista? ¿La música que escuchan solamente o algún otro evento? ¿Piensan añadir voz y letras en un futuro?

Como te decía anteriormente, el proyecto nace como algo instrumental y creo que lo seguirá siendo, de hecho mi deseo es poder formar parte del soundtrack de una película, de esas que son sumamente poéticas, en donde los diálogos escasean y los distintos escenarios ganan protagonismo, logrando un cóctel audiovisual hermoso, como “Under The Skin” por ejemplo. Me gusta escribir, de hecho estoy trabajando en mi segundo libro, pero las letras las dejo para mi otro proyecto; Juventud Dorada, que es más Noise Pop y también melancólico, por cierto. Busco que las cosas me conmuevan, tanto en lo que consumo; ya sea cine, literatura o música, como también en lo que pueda hacer. Creo que  hay determinadas cosas que pueden provocar un impacto emocional, ya sea una obra o una vivencia, y a eso lo encuentro muy inspirador. Una obra debe transmitir y provocar una emoción.

El nombre de la banda, SUPERFICIAL, es algo sui generis. ¿A qué alude o qué connotación le dan?

Superficial es una ironía, su significado es mucho más profundo. No tiene nada que ver con la frivolidad, de hecho funciona como filtro. Al ser un proyecto que está ligado a lo onírico, alude a las superficies, lo que se puede ver y no se puede tocar.  



¿Cómo es la escena dream pop, shoegazer, espacial en Buenos Aires? Algo hemos escuchado como Bosques y Entidad Animada. Excelentes por cierto. ¿Qué tal el público, los conciertos, las revistas o fanzines? ¿Desde cuándo ha resurgido esa movida cuyo auge fue en los 90’s con grupos como Estupendo, Juana la Loca, Victoria Mil?

Como bien decís, todo comenzó en aquélla época, con “Dynamo” de Soda Stereo y “Electronauta” de Juana La Loca; banda que encabezaría las filas de la “Movida Sónica” o el “Nuevo Rock Argentino”. Ese fue un momento de quiebre absoluto para el rock nacional, ya que surgieron grupos con una propuesta artística totalmente diferente. Luego de esto siguieron surgiendo bandas que toman como influencia al shoegaze y dream pop, y siguen surgiendo, lo que no sucedió es la gestación de una escena sólida, hay circuitos pero como que termina siendo algo para pocos. Hay público interesado en estas corrientes, sin embargo lo que sucede es que la Argentina está atravesando por una situación crítica en cuanto al contexto social, económico y cultural, lo cual influye. En los últimos años nunca se detuvo el continuo cierre de centros culturales y cualquier tipo de lugar que apueste a la cultura y al arte en general, dando lugar a que cada vez haya menos espacios para poder expresarse, esto provoca un gran abismo entre las bandas que recién comienzan y las que tienen cierta trayectoria y convocatoria, ya que van quedando lugares solo para los que cuentan con un público más masivo. Este es un factor importante que termina limitando el desarrollo de las bandas.

Menciónenos please los discos que les han partido el cerebro como nunca antes.

“Their Satanic Majesties Request” es uno de mis discos favoritos, es muy adelantado a su época, 2000 lights years from home, es muy atemporal, súper futurista, no corresponde al tiempo, si sería grabada hoy seria moderna. Otro disco de los 60s que me marco fue “The Velvet Underground & Nico”. “Electric Warrior” de T-Rex y “New York Dolls” no solo son de mis favoritos, sino que también son de vital importancia, como posteriormente lo fueron “Psychocandy”  y “Loveless”.

¿Para cuándo el álbum debut de Superficial?

Probablemente sea el próximo, que por cierto será lanzado en el Reino Unido y contara con la producción artística de Rodrigo Martin de Juana La Loca, que también fue el productor del último EP.  

¿Qué están escuchando en estos días que quisieran recomendar a los lectores? (Discos que revisitan, grupos nuevos, grupos de vuestro país…)

Por estos días ando repasando discos de Spiritualized, Spectrum y algo de Flaming Lips. Hay dos grupos de los últimos tiempos que me gustan y se los recomendaría a quien no los haya escuchado, son Broncho y Alvvays. De acá, estoy escuchando los últimos simples de Los Totales, que salieron como adelanto de su próximo LP.

¿Qué es lo que encuentran en el shoegaze y dream pop que no hallan en otras músicas? 

Que es mucho más profundo, va más allá. Por un lado, la importancia de la libertad en el proceso creativo a nivel sonoro, el hecho de que no existan límites a la hora de cómo debería sonar una guitarra, esa sería  la escuela Kevin Shields. Por otro lado, la fusión entre la música y las letras, no encuentro en otro género una conexión tan profunda entre ambas cosas, y que permitan obtener como resultado final que una obra sea lo más emotiva posible.

¿Cuál es vuestra postura respecto a la llamada “retromanía” que ha tomado por asalto a la cultura y la música en donde vemos que bandas de hace 30 o 20 años vuelven al ruedo a monetizar su catálogo y asegurar su jubilación a través de re-ediciones, reuniones, etc? Desde Pixies hasta MBV, Slowdive … ¿Les parece todo muy refrito, manoseado, gentrificado o simplemente no piensan en ello?

Con respecto a esto que se viene generando en los últimos años, no lo veo mal. Encuentro dos cosas positivas, una es el hecho de que cierto público que se vio interesado por bandas luego de su desilusión, ahora puede tener la oportunidad de verlos en vivo. Lo otro que me parece interesante es que las personas que han trabajado juntas en determinados proyectos, después de tanto tiempo se dan una oportunidad para hacer algo nuevo, eso me parece genial. Pero son posturas, no todos piensan lo mismo, tal es el caso de Spacemen 3, a quienes les hicieron ofertas millonarias y podrían haberse asegurado esa jubilación, sin embargo fueron fieles a ellos mismos, a su deseo, y eligieron que permanezca en el pasado lo que pertenece a él. 

viernes, 13 de abril de 2018

Curso: LA AVANZADA METAMUSICAL DE LOS 90 en Mandragora de Barranco


Qué tal droners, les cuento que en unas semanas empezaré a dar un curso sobre los documentos y proyectos que forjaron la vanguardia de los años 90. Serán 4 clases de 90 minutos con sesiones de escucha incluidas en un centro cultural nuevo, Mandrágora sito en Pedro de Osma 111, Barranco.

Espero verlos x ahí. Todo empieza el Sábado 12 de mayo. 
Evento en FB: https://www.facebook.com/events/604404593234350/

LA AVANZADA METAMUSICAL DE LOS 90
Un curso en torno a los discos y formaciones que esculpieron la transgresión sonora de la década de los noventa, un decenio cuyos adelantos musicales se ven insuperables al día de hoy.

1. INTRODUCCIÓN
- Dejando/Saliendo de los 80
- El shoegaze
UK: My Bloody Valentine, Slowdive, Chapterhouse, Pale Saints. Catherine Wheel.
USA: Medicine, Lovesliescrushing, Alison's Halo, Should.

2. POST ROCK O EL ROCK DESPUÉS DEL ROCK
- Seefeel, Tortoise, Main, Labradford.
- La estafa del post-rock post 1996.

3. TRANSGRESIONES EN LOS 90
- Oval, E.A.R., Windy & Carl, Autechre, Aphex Twin.

4. LOS 90 AVANTGARDE EN PERÚ
- Crisálida Sónica.
- La gente industrial.

INFO: polyluna@gmail.com

WILDER GONZALES AGREDA (1977 - )
Licenciado en Comunicaciones por la Universidad de Lima. Participó en la escena de post-rock y música etérea Crisálida Sónica con sus bandas Avalonia y Fractal. Fundó el sello Superspace Records el 2003 desde donde difunde sonidos post psicodélicos, electrónicos y minimales del Perú y el resto del mundo. Con su blog Perú Avantgarde ha logrado alcance planetario llegando a entrevistar a luminarias del calibre de Simon Reynolds, Ian Masters (Pale Saints, Spoonfed Hybrid), Dave Callahan (Moonshake), Randall Nieman (Füxa), Otto Von Schirach, Simeon Coxe (Silver Apples), etc.

El curso consta de 4 clases presenciales en el local de Mandrágora (Pedro de Osma 111, Barranco) previo depósito de 100 soles a la cuenta bancaria 1673108682160 de Interbank y envío de voucher. Clases sábados 12, 19, 26 de mayo y 2 de junio de 5:30 a 7 p.m. **VACANTES LIMITADAS.**

Cualquier duda escribir a polyluna@gmail.com

martes, 10 de abril de 2018

UNA CONVERSA CON IAN MASTERS .: No estoy interesado en mirar hacia atrás. No habrá reunión de Pale Saints conmigo en eso


Hacia fines de los 80 el sonido shoegaze nacería en el Reino Unido cortesía de My Bloody Valentine y con el empujón de gente como Spacemen 3 y Jesus & Mary Chain. Rápidamente formaciones del calibre de Slowdive, Chapterhouse, Telescopes o Ride surgieron asimilando las lecciones dictadas por la banda de Kevin Shields. El shoegaze viviría su momento de gloria hacia 1991-1992 para luego ser engullido por la misma industria que la había elevado al sitial de non-plus-ultra: "la escena que se celebra a sí misma". 

Músicas más radio friendly como el grunge y el brit pop hiceron lo suyo para sepultar a los héroes del primer (y más invaluable) shoegaze. Uno de esas bandas adelantadas en abrazar el ruido etéreo fueron los Pale Saints de Leeds (UK). Liderados por Ian Masters (voz, bajo) y acogidos por la mítica disquera 4AD alumbraron 2 joyas de la música alterna de todos los tiempos, "Comforts of Madness" (1990) e "In Ribbons" (1992). La hermosa voz de Masters pintaba de delicias las armonías y detalles que Graeme Naysmith (guitarra), Meriel Barham (guitarra, voz) y el baterista Chris Cooper diseñaban en canciones donde el fulgor y el éter fluían impetuosos.


Himnos como Throwing back the apple, Language of flowers o Sea of Sound forman parte del imaginario de miles de shoegazers noventeros que fuimos testigos de una generación y movimiento irrepetibles, antes de la gentrificación del sonido shoegazer de estos días. Tras su salida de Pale Saints, Ian continuó produciendo belleza bajo el nombre de Spoonfed Hybrid (con su broder Chris Trout) y ESP Summer (junto a Warren Defever de His Name Is Alive). Si bien jamás volvió a tener la resonancia de la que gozara con Pale Saints, la música obsequiada al resto de la Humanidad por el capo de Leeds, tanto en Pale Saints como en ESP Summer y Spoonfed Hybrid le hacen merecedor a más que un simple galardón.


Millón de gracias por hacernos oír el lenguaje de las flores Mr. Ian Masters, jamás hemos querido volver a escuchar otra cosa.


¿Cómo te reuniste con tus colegas en Pale Saints y comenzaste la banda? Leí que tu sonido inicialmente era como jangly indie pop lo que tiene poco que ver con tu magnífico sonido shoegazer soñador.


Puse una postal en mi tienda de discos favorita en Leeds en ese tiempo, buscando otros músicos para hacer música. (Todavía puedes encontrar una imagen de esa postal en la red) Graeme o Chris me llamaron por teléfono y nos encontramos, hablamos y decidimos comenzar a improvisar juntos. No había bajista, entonces compré un bajo y aprendí a tocarlo. Pero creo que empezamos a ensayar juntos antes de poder tocarlo correctamente. Quizás nunca aprendí bien. Al principio nuestro sonido era más punk de ciencia ficción pero nos aburrimos y comenzamos a experimentar más con las texturas y el sonido desarrollado a partir de ahí


¿Por qué se llamaron Pale Saints? ¿Alguna orientación mística o algo así?

Tuvimos algunos nombres diferentes al principio. Si hacíamos un concierto realmente malo, cambiábamos nuestro nombre para que pudiéramos volver y tocar en el lugar otra vez. Casualmente una de mis bandas favoritas en ese entonces, Eyeless In Gaza, tenía un LP experimental llamado "Pale Saints".

¿Cómo fue la relación con su sello 4AD, con Ivo y John Fryer? ¿También conociste a otros artistas en 4AD como Swallow, His Name is Alive o Cocteau Twins?

4AD fueron geniales. Más o menos nos dejaron seguir con nuestra música sin entrometerse. No estábamos en Londres, así que pudimos seguir con nuestra vida normalmente sin ser absorbidos por la escena de la industria de la música en Londres. Ivo siempre fue Ivo, el intelectual, un hombre pensante, contándonos cosas de las que nunca habríamos pensado, como la importancia del orden de funcionamiento de un LP. Nunca se me había ocurrido pensar que tenías que pensar en eso. John Fryer fue genial para estar en el estudio, muchas ideas, mostrando cómo hacer sonidos increíbles. Mike Stout y Richard Formby, con quienes grabé / produje algunos de nuestros demos anteriores, también nos ayudaron mucho. Sabíamos que musicalmente eran de ideas afines y entenderían y serían capaces de aumentar el sonido que queríamos lograr en el estudio. Gil Norton y Hugh Jones también fueron productores interesantes con quienes trabajar, aunque una vez atrapé a Hugh Jones comenzando a reescribir los acordes en una de nuestras canciones, para que suene "mejor". Él había malentendido completamente que los acordes sonaban mal, eran exactamente que los acordes tenían esa intención, y eran esenciales para la tensión y la emoción de la cancion. Eso realmente me asustó: ¡No toques mis acordes!

Conocimos a otros músicos cuando estábamos en las oficinas de 4AD o había un Festival 4AD. Hicimos una gira con Lush. Y como sabes, grabé el álbum 'ESP Summer' con Warn Defever en Livonia, Michigan, que me traumatizó por años. Sólo bromeo. Grabar con Warn fue mucha diversión, y comimos muchos burritos de queso y frijoles.

Tu voz es una de las más bellas que escuché en toda mi vida, junto con la voz de Eno. ¿Recibiste algún entrenamiento para eso? ¿Cuáles eran tus inspiraciones para tu manera particular de cantar?

Gracias. En la escuela canté en algunos coros. Siempre he disfrutado cantando y siendo parte de un gran ruido de voces. Aparte de eso, yo solo tuve una clase de canto que odiaba. Nunca volví para la segunda lección. Mi voz es naturalmente más alta que la media y nunca pensé en cantar de otra manera, aunque lo he intentado algunas veces diferentes por diversión.

"Comforts of Madness" tiene un gran título y suena muy naif y lleno de colores shoegazers. ¿Cómo fue la creación / composición de ese disco? ¿Recuerdas los instrumentos o efectos que obtienes usaste?


Las canciones de "Comforts of Madness" fueron lo que pensamos que eran nuestras mejores canciones hasta ese momento. Si eran ingenuas debe ser porque éramos ingenuos musicalmente. La palabra "shoegaze" acababa de nacer. Eso fue una gran broma para nosotros. Intentamos hacer el mejor álbum que pudimos hacer. Algunas de las canciones, como 'Sight of You' llegaron muy fácilmente. Otras no tanto, pero fueron escritas en la sala de ensayos, alimentados por alcohol y otras drogas en la casa.


Las canciones fueron escritas de muchas maneras diferentes. Nunca tuvimos una fórmula para escribir canciones, hasta donde yo sabía, y todavía no.


Recientemente encontré un terrible casete de 4 pistas de demos de canciones para el 1er álbum. Fueron hechos en un Fostex X15 que funcionó en cinta en velocidad normal así que, por desgracia, todavía puedo escucharlos y hacer una mueca de dolor.


Los instrumentos fueron lo que teníamos que entregar. Batería, guitarra, bajo, autoharp, botar agua del baño (toilet flush), tablas, percusiones kettle, kazoos y perros. Lo mismo para los efectos. Los pedales FX no eran tan baratos, así que el primer álbum fue probablemente hecho con menos. Creo que tenía un pedal RAT. Graeme y Chris tenían una selección también.




¿Qué tal con las drogas? ¿Las usaste (mucho)?


Bueno, depende de lo que pienses que es mucho. No creo que hayamos usado mucho, pero creo que teníamos curiosidad. Si vives en Inglaterra no es difícil para encontrar lo que quieres si preguntas a tu alrededor. O cerveza, drogas de prescripción del bolso de tu madre, o cualquier otra cosa que se venda en un club. ¡O incluso salir y recogerlos en el campo!

"In Ribbons" parece como un sonido indie más convencional. Quizás apuntando hacia la dirección en que la banda iría sin ti. Todavía soñador y psicodélico, por supuesto. ¿Alguna palabra al respecto? ¿Qué hay de las letras de canciones como "Throwing back the apple", "Hunted" y "Ordeal"?

"¿Un sonido indie más convencional?" Qué jodidamente deprimente. Es mejor que vaya y tire mi copia al tacho ahora mismo. No creo que muchas bandas indie convencionales, entonces o ahora, usaron tempo 5/4  (Ordeal) o 7/4  (Hunted). Ninguna de las que sea consciente. Estoy seguro hubo una o dos ...

Meriel se había unido a la banda apropiadamente para entonces, y cambió la dinámica del grupo de una forma bastante radical, aunque no estoy seguro de por qué. Nunca se habló de su unión por ser mujer. Ella era una músico disponible, y vino recomendado por alguien de Lush. Eso es todo lo que recuerdo. Ella apareció, podía tocar tan bien como nosotros, y nos llevábamos bien así que eso fue todo.

La banda cambió y fue agradable de una manera diferente cuando ella se unió. Cuando tienes entrada masculina y femenina en la música, se vuelve más interesante. Lo hizo en nuestro caso de todos modos.

"Throwing back the apple" fue una frase que me vino sobre devolver la manzana al jardín del Edén. "Hunted", pienso en la paranoia y "Ordeal", sobre una noche en que fui inmovilizado por una dominatriz BDSM.

¿Qué flashbacks / recuerdos tienes de los días shoegazer o de la llamada escena que se celebra a sí misma?

No tantos. Cojudeces del NME todas las semanas sobre fiestas en Londres con las llamadas celebridades. Realmente nunca pude molestarme en entender lo que la 'escena que se celebra a sí misma' significó incluso. Como ya dije no estábamos en Londres. Estábamos en Leeds.

¿Qué hay de tus actuaciones en vivo? ¿Cómo fue la reacción del público? ¿Alguna anécdota que nos puedas contar?

Nunca olvidaré un concierto que tocamos en Fukuoka, Japón en nuestro 1era gira japonesa. En el lugar, los organizadores habían puesto asientos para la audiencia, algunos cientos. A todos se les dijo que se sentaran durante el concierto. Tan pronto como comenzamos, todos en la audiencia se levantaron y comenzaron bailando y arrojando sillas. Nunca lo olvidaré. Fue un hermoso caos.

Al principio, cuando tocábamos en vivo, solíamos unir todas las canciones juntas y tocar piezas de ruido u otros sonidos entre las canciones, así que no teníamos que preocuparnos si no había aplausos. Es por eso que registramos el primer LP de la misma manera.

¿Qué pasó con la banda que abandonaste? ¿Algún problema con la dirección musical tal vez?

El trabajo estaba hecho. Quería ir más lejos musicalmente. Los otros miembros parecían querer ir más al mainstream.

Tu proyecto Spoonfed Hybrid, con Chris Trout, hizo un sorprendente álbum y ep por los años 1993, 1996. ¿Qué historias y palabras puedes contarnos sobre eso?

Después de dejar a Pale Saints, en algún momento conocí a Chris Trout, e iríamos a beber y hablar mucho sobre música. Era bastante obvio que ambos éramos maníacos de la música y era casi inevitable que hubiéramos termináramos en un estudio en algún lado, jugando con ideas. Esta era la era de las computadoras baratas de Atari que ejecutaban versiones descifradas de Cubase, manejando teclados MIDI baratos, así que podías trabajar en una idea musical o arreglo en casa, luego tomé los disquetes, que contienen la información MIDI a otro estudio y continuaba jugando. Era una forma totalmente diferente de trabajar y por un tiempo realmente lo disfruté, empujando el equipo de la manera incorrecta para hacer interesantes sonidos.

Hicimos los demos, se las dimos a Ivo y él ofreció dejarnos grabar el álbum en Escocia, donde se hicieron muchas otras grabaciones 4AD. Un amigo sinestésico nuestro, Duncan Wheat, vino con nosotros y nos ayudó a hacerlo. Creo que fue hecho en aproximadamente una semana.

El EP fue el resultado de hacer un 7 pulgadas para el sello francés Le Tatou Colérique, luego de encontrar algunas piezas más para la versión de CD.

También tenías un proyecto paralelo con Warren Defever (His Name Is Alive), ESP Summer. El álbum "Mars is a Ten" es realmente hermoso, un poco folk ambiental etéreo. ¿Cómo fue la confección de ese documento? ¿Qué herramientas usaste?

Ivo me llamó un día, después de haber dejado a Pale Saints, y dijo algo así como: "¿Qué tal ir a Livonia, Michigan y escribir algunas canciones exitosas con Warren Defever?" y dije:" Claro ". Supongo que le preguntó a Warn lo mismo, y él dijo OK, así que fui a Livonia, Michigan con un cassette lleno de ideas de canciones.

Metíamos la mano a la música durante el día, tomando descansos regulares para ir a Taco Bell a comer burritos de queso y frijoles, y también para ir a las tiendas de reciclaje a comprar viejos discos LP, luego grabábamos por las noches o salíamos y tocábamos conciertos de noise.

Usamos herramientas antiguas y nuevas. Usé principalmente palos, piedras y hojas. Warn tenía un sofisticado nuevo software de audio digital, que era inestable y de vez en cuando perderíamos una pieza súper importante de una canción. Cuando eso ocurría, lloraríamos por una hora más o menos, y luego copiábamos un sección aleatoria de otra canción en la canción en la que estábamos trabajando.

¿Cómo fue la reacción del público y la prensa musical a Spoonfed Hybrid y ESP Summer?

Realmente no puedo recordar ahora. Tendrás que hacer un poco de trabajo de detective. Puede haber habido una reseña del Spoonfed Hybrid LP por Taylor Parkes, y puede que no haya habido. Chris Trout recuerda mucho más que yo sobre Spoonfed Hybrid. No fue adorado No fue detestado. Entonces, básicamente, el beso del diablo.

Cuando apareció ESP Summer, a nadie le importó una mierda, por lo que puedo recordar. Supongo que si realmente me importara, lo recordaría.

Recuerdo cuando la cojuda NME dio a mi proyecto Friendly Science Orchestra el 7" de la semana, jejeje ... eso estuvo bien. Fue grabado en casa, hecho con un presupuesto reducido en mi propio sello, Friendly Science Enregisterments en una edición limitada de 500. Estoy seguro puedes encontrar el audio en alguna parte.

Cuéntanos acerca de la canción "Naturally ocurring anchors" («anclajes de ocurrencia natural»). ¿De qué se trata? ¿Cómo grabaste las guitarras? Cual fue tu ¿inspiración? ¡Canción impresionante y jodemente!

Bueno, si te hubieras molestado en googlear la frase, habrías encontrado que es una frase utilizada en la programación neurolingüística (NLP). "El proceso por el cual cualquier representación (interna o externa) se vuelve conectado y desencadena una cadena de representaciones y respuestas. Los anclajes pueden ocurrir naturalmente o establecerse deliberadamente. Un ejemplo de un ancla para un conjunto particular de respuestas es qué sucede cuando piensas en la forma en que una persona especial y muy querida dice tu nombre"

Pudimos grabar las guitarras de esa manera, porque teníamos acceso a una mesa de mezclas automatizada. La idea era de nuestro amigo y productor, Duncan Wheat.

(Chris Trout escribió sobre eso recientemente): "Para la canción Naturally Ocurring Anchors, que en su mayoría era solo una parte de la guitarra y la voz, grabamos tal vez seis o siete guitarras tocando la misma parte, pero con sonidos radicalmente diferentes, y luego se usó la mesa de mezclas automatizada del estudio (toda la rabia en 1993, estas cosas) para cortar cada vez más rápido entre los diferentes sonidos mientras la canción progresaba, dando al conjunto una calidad cubista que no había previamente poseído. Las luces del escritorio parpadeando intermitentemente mientras la automatización silencia y no silencia las diversas pistas de guitarra fue muy bonito, así que apagamos todas las luces del estudio para verlas cuando se ejecutó la mezcla terminada en cinta. Uno de los sonidos de la guitarra involucró el golpeo de las cuerdas con el muslo de una mano mientras te preocupas de los acordes con la otra, era demasiado complicado para Ian entonces debí hacerlo solo, así que terminamos con él acostado sobre su espalda en el piso con la guitarra mientras me arrodillo encima de él con el muslo ".

Lo que es aún más estúpido es que tocamos la canción en vivo con 4 guitarristas y tocábamos todos los cambios en vivo. Solo Chris Trout habría pensado que era posible, y lo hizo así.

¿Qué hay del experimento "Noise Bucket" de Pail Saint?

Cuando grabé con Warn Defever, tomé un cassette de ideas. El amigo de Warn, Davin Brainard, los publicó en cassette, y luego en CD en su sello TIME Stereo.

¿Cuáles son sus reflexiones sobre la retromania y la "nueva vida" que las bandas del pasado como My Bloody Valentine, Ride, Slowdive están teniendo estos días? ¿Alguna posibilidad de ver una reunión de Pale Saints contigo en eso?

Las únicas razones válidas que puedo pensar para que las bandas se reformen, es si todavía quieren hacer música juntos, si tienen algo que necesitan decir, o les falta dinero. Ninguno de esos motivos es cierto para mí. No estoy interesado en mirar hacia atrás. No habrá reunión de Pale Saints conmigo en eso. Soy un trabajador lento y no me parece un buen uso del tiempo.

Además de un breve intercambio con Meriel en las redes sociales recientemente, no he tenido contacto con los otros miembros desde que dejé la banda.

No escuché los LP recientes de Ride o Slowdive. Disfruté el último LP de My Bloody Valentine. Compré eso y espero que continúen haciendo música que valga la pena. No estoy tan interesado en la música rock en estos días. Excepto los viejos bootlegs de Television.

¿Qué bandas o música estás escuchando en estos días? ¿Alguna recomendación que nos puede hacer?

Acabo de comprar una carga de música contemporánea japonesa (gendai ongaku) ​​de artistas como Aki Takahashi y Jo Kondo. Antes de eso, fue el jazz espiritual japonés: Terumasa Hino y Masahiko Togashi, antes de eso, era algo de estable Trojan rock. Escucho tantos géneros como pueda, pero tus lectores habrán oído hablar de la música occidental que escucho, así que no tiene sentido recomendarlo. También me encantó el álbum Hesaitix de MESH que salió el año pasado.

Cuéntanos sobre tus movimientos futuros, por favor.

https://bigbeautifulbluebottle.bandcamp.com

Álbum en este año. Quizás en mayo. Con mi compañero de banda súper talentoso, Terao Terako.

También algo más de música con el Dr. Mark Tranmer de Gnac, que creo que hará sorprender a algunas personas










A CHAT WITH IAN MASTERS .: I’m not interested in looking back. There will be no Pale Saints reunion with me in it



Towards the end of the 80s the shoegaze sound would be born in the UK courtesy of My Bloody Valentine and with the push of people like Spacemen 3 and Jesus & Mary Chain. Quickly formations as talented as Slowdive, Chapterhouse, Telescopes or Ride emerged assimilating the lessons dictated by the band of Kevin Shields. Shoegaze would live its moment of glory around 1991-1992 and then it would be engulfed by the same industry that had raised it to the place of non-plus-ultra: "the scene that celebrates itself".

More radio friendly musics like grunge and brit pop did their thing to bury the heroes of the first (and most priceless) shoegaze. One of those advanced bands in embracing the ethereal noise were Pale Saints from Leeds (UK). Led by Ian Masters (voice, bass) and hosted by the legendary record company 4AD, they gave birth to 2 jewels of alternative music of all times, "Comforts of Madness" (1990) and "In Ribbons" (1992). The beautiful voice of Masters painted of delicacies the harmonies and details that Graeme Naysmith (guitar), Meriel Barham (guitar, voice) and drummer Chris Cooper designed in songs where the brightness and the ether flowed tempestuous.


Hymns like Throwing back the apple, Language of flowers or Sea of ​​Sound are part of the imaginary of thousands of nineties shoegazers who witnessed an unrepeatable generation and movement, before the gentrification of the shoegazer sound of these days. After leaving Pale Saints, Ian continued to produce beauty under the name of Spoonfed Hybrid (with his broder Chris Trout) and ESP Summer (along with Warren Defever of His Name Is Alive). Although he never again had the resonance that he enjoyed with Pale Saints, the music given to the rest of Humanity by the capo of Leeds, both in Pale Saints and ESP Summer and Spoonfed Hybrid make him worthy of more than a simple award .


Million thanks for making us hear the language of flowers Mr. Ian Masters, we have never wanted to hear anything else.


How did you meet with your colleagues in Pale Saints and start the band? I read your sound was initially jangly indie pop oriented which has little to do with your outstanding shoegazing dreamy sound.


I put a postcard up in my favourite record shop in Leeds at the time, looking for other musicians to make music with. (You can still find an image of that postcard on the Net) Graeme or Chris phoned me up and we met, talked and decided to start jamming together. There was no bass player, so I bought a bass guitar and learned to play it. But I think we started rehearsing together before I could play it properly. Maybe I never learned properly. At first our sound was more sci-fi punk perhaps, but we got bored and started to experiment more with textures and the sound developed from there.


Why did you call yourselves Pale Saints? Any mystic orientation or something like it?


We had a few different names at the beginning. If we had done a really bad gig, we changed our name so that we could go back and play at the venue again. Coincidentally, one of my favourite bands at the time, Eyeless in Gaza, had a rambling, experimental LP called 'Pale Saints'.

How was the relation with your label 4AD, with Ivo and John Fryer? Also did you get to meet other artists on 4AD like Swallow, His Name is Alive or Cocteau Twins?

4AD were great. They more or less let us get on with our music without interfering. We weren’t in London so we were able to get on with our lives normally without getting sucked into the London music biz scene. Ivo was always Ivo, a thinking man's thinker, telling us about things we'd never thought of, such as the importance of the running order of an LP. It had never occurred to me that you had to think about that. John Fryer was great to be in the studio with, plenty of ideas, showing how to make amazing sounds. Mike Stout and Richard Formby, who recorded/produced some of our earlier demos, helped us a lot too. We knew that musically they were like-minded and would understand and be able to augment the sound we wanted to achieve in the studio.

Gil Norton and Hugh Jones were interesting producers to work with too, though I once caught Hugh Jones starting to re-write the chords to one of our songs, to make it sound "better". He had completely misunderstood that the chords that sounded wrong, were exactly the chords I had intended, and were essential to the tension and emotion of the song. That really freaked me out. Don't touch my chords!

We met other musicians when we were in the 4AD offices or there was a 4AD festival. We did a tour with Lush. And as you know, I recorded an album 'ESP Summer' with Warn Defever in Livonia, Michigan, which traumatised me for years. I'm just kidding. Recording with Warn was a lot of fun, and we ate a lot of cheese and bean burritos.

Your voice is one of the most beautiful i heard in my whole life, alongside with Eno’s vocals. Did you get any training for it? What was your inspirations for your particular way of singing?

Thank you. At school I sang in some choirs. I've always enjoyed singing and being part of a big noise of voices. Apart from that, I only had one singing lesson which I hated. I never went back for the second lesson. My voice is naturally higher than the average and I’ve never thought about singing any other way really, though I have tried a few different ways for fun.

“Comforts of Madness” has a terrific title and sounds very naif and full of shoegazer colours. How was the reation/composition of that disc? Do you remember the instruments or effects you got to used?

The songs on “Comforts of Madness” were what we thought were our best songs up to that point. If they were naive, it must be because we were naive musically. The word "shoegaze" had only just been born. It was a big joke to us. We tried to make the best album we could make. Some of the songs, like 'Sight of You' came very easily. Others not so much, but were written either in the rehearsal room, fuelled by alcohol and other drugs at home.


The songs were written in many different ways. We never had a song-writing formula as far as I was aware, and I still don't.


Recently I found a terrible 4 track cassette of demos of songs for the 1st album. They were made on a Fostex X15 which ran at normal tape speed so, unfortunately I can still listen to them and wince.


The instruments were whatever we had to hand. Drums, guitar, bass, autoharp, toilet flush, tablas, kettle drums, kazoos and dogs. The same for effects. FX pedals weren't so cheap, so the 1st album was probably made with fewer. I think I had a RAT pedal. Graeme and Chris had a selection too.




What about drugs? Did you use them (a lot)?


Well it depends what you think a lot is. I don't think we used a lot, but I think we were curious. If you live in England it's not hard to find what you want if you ask around. Either beer, prescription drugs from your Mum's purse, or whatever else is being sold in a club. Or even go out and pick them in the fields!


“In Ribbons” looks like a more conventional indie sound. Perhaps pointing towards the direction the band would go without you. Still dreamy and psychedelic of course. Any words about it? What do the lyrics of “Throwing back the Apple”, “Hunted” and “Ordeal” talks about?

"A more conventional indie sound"? How fucking depressing. I'd better go and bin my copy right now. I don't think many conventional indie bands, then or now, used 5/4 time (Ordeal) or 7/4 time (Hunted). None that I'm aware of. I'm sure there were one or two ...

Meriel had joined the band properly by then, and she changed the dynamic of the group quite radically, though I'm not sure why. There was never any talk of her joining because of being a woman. She was an available musician, and came recommended by someone from Lush. That's all I remember. She turned up, she could play as well as we could, and we got on fine so that was it.

The band changed and it was enjoyable in a different way when she joined. When you have male and female input into music, it becomes more interesting. It did in our case anyway.

“Throwing back the Apple” was a phrase that came to me about returning the apple to the garden of Eden. "Hunted", I think about paranoia, and "Ordeal", about a night when I was tied up by a BDSM dominatrix.

What flashbacks/memories do you have of the shoegazer days or of the so called scene that celebrates itself?

Not so many. Bullshit from the NME every week about London parties with so-called celebrities. I could never really be bothered to understand what the 'scene that celebrates itself' even meant. As I said we weren't in London. We were in Leeds.

What about your live performances? How was the reaction of the public? Any anecdote you can tell us?

I'll never forget a gig we played in Fukuoka, Japan on our 1st Japanese tour. In the venue, the organizers has put out seats for the audience, a few hundred. Everyone was told to sit down during the gig. As soon as we started, everyone in the audience got up and started dancing and throwing chairs. I'll never forget that. It was beautiful chaos.

Early on, when we played live,  we used to join all songs together and play pieces of noise or other sounds in between the songs, so we didn't have to worry if there was no applause. That's why we recorded the 1st LP the same way.

What happened with the band that you split? Any problem with the musical direction perhaps?

The job was done. I wanted to go further out musically. The other members seemed to want to go more mainstream.

Your project Spoonfed Hybrid, with Chris Trout, made and amazing album and ep by years 1993, 1996. What stories and words can you tell us about it?

After leaving Pale Saints, at some point I met Chris Trout, and we would go drinking and talk a lot about music. It was pretty obvious that we were both music maniacs and it was pretty much inevitable we'd end up in a studio somewhere, messing around with ideas. This was the era of cheap Atari computers running cracked versions of Cubase, driving cheap MIDI keyboards, so you could work on a musical idea or arrangement at home, then take the floppy discs, containing the MIDI information to another studio and continue messing around. It was a totally different way of working and for a while I really enjoyed it, pushing equipment the wrong way to make interesting sounds.

We made the demos, gave them to Ivo and he offered to let us record the album in Scotland, where a lot of other 4AD recordings were made. A synaesthetic friend of ours, Duncan Wheat, came with us and helped us make it. I think it was done in about a week.

The EP was the result of doing a 7 inch for French label Le Tatou Colérique, then finding a few more pieces for the CD version.

You also had a side project with Warren Defever (His Name Is Alive), E.S.P. Summer. The album “Mars is a Ten” is really beautiful, kinda ethereal ambient folk. How was the concoction of that document, what tools did you use?

Ivo called me one day, after I’d left Pale Saints, and said something like: “How about going over to Livonia, Michigan and writing some hit songs with Warren Defever?” and I said: “Sure.” I guess he asked Warn the same thing, and he said OK, so I went over to Livonia, Michigan with a cassette full of song ideas.

We messed around with music during the day, taking regular breaks to go to Taco Bell to eat cheese and bean burritos, and also to go to the recycle shops to buy old LPs, then we would record in the evenings or go out and play noise gigs.

We used old tools and new tools. I used mainly sticks, stones and leaves. Warn had some fancy new digital audio software, which was unstable and we’d occasionally lose a super-important piece of a song. When that happened, we’d cry for an hour or so, then just copy a random section of another song into the song we were working on.

How was the reaction of the public and music press to Spoonfed Hybrid and ESP Summer?

I really can’t remember now. You’ll have to do some detective work. There may have been a review of Spoonfed Hybrid LP by Taylor Parkes, and there may not have. Chris Trout remembers much more than I do about Spoonfed Hybrid. It wasn't adored. It wasn't detested. So, basically, the kiss of the devil.

When ESP Summer came out, nobody gave a shit, as far as I can remember.

I suppose if I really cared, I would remember.

I do remember when bullshitty N.M.E. gave my Friendly Science Orchestra project 7" of the week, he he he ... that was nice. It was recorded at home, done on a shoestring budget on my own label, Friendly Science Enregisterments in a limited edition of 500. I'm sure you can find the audio somewhere


Please tell us about the song «naturally ocurring anchors». What is it about? How did you record the guitars? What was your inspiration? Impressive and mindfucking song!


Well, if you had bothered to google the phrase, you would have found that it's a phrase used in neuro-linguistic programming (NLP). "The process by which any representation (internal or external) gets connected to and triggers a subsequent string of representations and responses. Anchors can be naturally occurring or set up deliberately. An example of an anchor for a particular set of responses is what happens when you think of the way a special, much-loved person says your name."


We were able to record the guitars that way, because we had access to an automated mixing desk. The idea was our friend and producer, Duncan Wheat's.

(Chris Trout wrote about that recently): "For the song Naturally Occurring Anchors, which was mostly just one guitar part and the vocal, we recorded maybe six or seven guitars playing the same part, but with radically different sounds, and then used the studio’s automated mixing desk (all the rage in 1993, these things) to cut increasingly quickly between the different sounds as the song progressed, giving the whole a Cubist quality it hadn’t previously possessed. The lights on the desk blinking on and off as the automation muted and unmuted the various tracks of guitar were very pretty, so we turned all the studio lights off to watch them when we ran the finished mix to tape. One of the guitar sounds involved hitting the strings with a drumstick with one hand while fretting the chords with the other, which was far too complicated for either Ian or I to pull off alone, so we ended up with him lying on his back on the floor with the guitar while I knelt above him with the drumstick."

What's even more stupid than that, is that we played the song live with 4 guitarists and played all the changes live. Only Chris Trout would have thought that was possible, and he made it so.

What about Pail Saint’s “Noise Bucket” experiment?

When I recorded with Warn Defever, I took a cassette of ideas. Warn's friend Davin Brainard released them on cassette, then later on CD on his TIME Stereo label.


What are your thoughts about retromania and the “new life” bands from the past like My Bloody Valentine, Ride, Slowdive are having these days? Any possibility to see a Pale Saints reunion with you on it?

The only valid reasons I can think of for bands to reform, is if they still want to make music together, have something they need to say, or they’re short of money. None of those reasons are true for me.
I’m not interested in looking back. There will be no Pale Saints reunion with me in it. I'm a slow worker and it doesn't seem like a good use of time.

Apart from a brief exchange with Meriel on social media recently, I’ve had no contact with the other members since I left the band.


I haven’t heard the recent LPs by Ride or Slowdive. I enjoyed the last My Bloody Valentine LP. I bought that and I expect they will continue to make music worth listening to. I’m not that interested in rock music these days. Except old Television bootlegs.

What bands or music are you listening these days? Any recommendation you can make us?


I just bought a load of Japanese contemporary music (gendai ongaku) by artists like Aki Takahashi and Jo Kondo. Before that, it was Japanese spiritual jazz: Terumasa Hino and Masahiko Togashi, before that it was some Trojan rock steady. I listen to as many genres as I can, but your readers will have heard of the western music I listen to so there's no point in recommending that. I also loved the Hesaitix album by M.E.S.H. that came out last year.

Tell us about your future movements please.

https://bigbeautifulbluebottle.bandcamp.com

Album this year. Maybe in May. With my super-talented band mate, Terao Terako.

Also some more music with Dr Mark Tranmer of Gnac, which I think will surprise some people.


lunes, 9 de abril de 2018

MOONSHAKE INTERVIÚ .: Palabras Mayúsculas


Los 90 del post-rock, el shoegaze y la electrónica experimental vio nacer privilegiados iconoclastas como Pram, The Third Eye Foundation, Casino Versus Japan, Flowchart, E.A.R. y la lista es casi interminable. Uno de esos genios para la innovación musical fueron los ingleses MOONSHAKE, comandados inicialmente por Dave Callahan (voz, guitarras, samplers) y Margaret Fiedler (voz, guitaras, samplers), su sonido era un hervidero de distopías urbanas, esquizofrenia, acidez y lascivia femenina. Ya en su First EP para Creation Records una gema como "Gravity" denotaba las alturas a las que tanto Moonshake como Margaret en su faceta como Laika llegarían. Recuerdo que por esos años en la tienda de Lenti en los Pinos había un póster gigante en la puerta anunciando el "The sound your eyes can follow" de Moonshake. El título y el artwork te impresionaban tan solo al llegar lugar. Eran los días de la disquera Too Pure con bandas como Seefeel, Quickspace Supersport o los ya nombrados Pram. ¡Vaya sello!

Moonshake terminó sus días publicando en C/Z Records de Seattle (USA) otra genialidad bajo el nombre de "Dirty & Divine" (1996). Tan avanzado y jode mentes como el "Eva Luna" o el "TSYECF". Mientras tanto algunos de sus otrora miembros probaban cierto éxito con proyectos como Laika (Margaret Fiedler y Guy Fixsen) y Moose (Mig Moreland). La andadura musical de Moonshake quizás sea una de las más subvaluadas de la escena indie mundial pero ya sabemos que cierto arte no ha sido hecho para las moscas del mercado. Con ustedes la entrevista exclusiva con Dave Callahan de Moonshake en Perú Avantgarde, en la vanguardia desde siempre!!


¿Cómo comenzó tu interés por la música alternativa de vanguardia? ¿Qué bandas escuchabas de adolescente? 

Justo cuando empecé a interesarme por la música, comencé a gravitar hacia el programa de John Peel en BBC Radio 1, como tantas personas que eran adolescentes en ese momento. Uno de los primeros shows que escuché (a principios de 1977) presentó no solo a The Damned sino también a This Heat. En mi ingenuidad, pensé que ambos eran 'punk rock' y me encantaron los dos. En realidad, no hay tal música "avant garde" en mi mente, ya que es todo música mínimal reproducida en instrumentos eléctricos, y lo menos melodioso no es necesariamente mejor que las formas más accesibles.

Ya tenía álbumes de The Who, Beatles y Dr. Feelgood para entonces, y mis gustos se ampliaron con la prensa musical semanal extremadamente informativa, en un momento en el que se formaban nuevas e interesantes y emocionantes bandas, y la influencia de más música underground extrema se sentía en ellos . En el momento me gustó todo el post punk, particularmente The Slits, The Fall y Alternative TV, pero también desarrollé un gusto por el reggae, el soul y el jazz. Retomar a personajes como Velvet Underground, Tim Buckley y, más tarde, el soul y garage de los 60s y el rockabilly de los 50s, fue sucediendo. Me gustó y aún me gustan las líneas más crudas e imaginativas de todo.

¿Por qué tu primera banda, The Wolfhounds, se separó? Leí que tuviste cierto éxito con ellos.

Básicamente terminamos por decepción y falta de fondos. En vivo, éramos una de las mejores bandas "indie" de la época, y nuestros discos se volvían consistentemente mejores y más originales y recibían cada vez menos atención, hasta que finalmente no éramos más populares que cuando comenzamos. Ya había empezado a anhelar el uso de la tecnología de sample (que ya habíamos probado en un par de discos de Wolfhounds), y tampoco pensé que la banda caería bien con ello en ese momento.

¿Cómo conociste a Margaret Fiedler y decidieron formar Moonshake con ella y los demás?

Inicialmente, Margaret respondió un aviso en Melody Maker para unirse a Wolfhounds (como guitarrista / vocalista), pero decidimos separarnos bien pronto después de eso, y le pregunté si estaba lista para soldar ruido, samples, dub y rock juntos, y ella aprovechó la oportunidad. Me ayudó el tener un tipo de acuerdo de desarrollo con Creation en ese momento (siguieron a Wolfhounds durante toda nuestra 'carrera', y estaban interesados ​​en ficharnos al final); esto significaba que estábamos listos y funcionando casi de inmediato, y trabajando con personas de una aparente mente similar.

Como Moonshake, fichaste por dos de los mayores sellos independientes de todos los tiempos, Creation Records y Too Pure. ¿Cómo te conectaste con estas personas? Cuéntanos sobre tu relación con ellos. ¿Alguna anécdota para compartir? 

Nuestra relación con Creation se agrió bastante rápido debido a nuestros intentos lentos y vacilantes para construir nuestro propio sonido y a su aparente dependencia por las bandas de moda de la semana. Estábamos jugando el largo juego y decidimos salir después de unos malos pasos que nos llevaron a conseguir malas críticas, y una embarazosa aparición en un programa de televisión donde nuestro disco fue propalado a una velocidad inadecuada porque no teníamos video disponible. Ya estábamos siendo gestionados por Too Pure y después de algunas inapropiada reuniones con algunos de los seudo indies de la época, de repente pensamos unirnos a Too Pure, el sello que Paul y Richard ya estaban manejando, el cual estaba publicando brillantes discos por Stereolab, Th' Faith Healers y PJ Harvey (bandas con las que ya habíamos tocado con regularidad). ¡Vaya cartel para unirse!



Tu sonido en "Eva Luna" es a veces art punk y a veces indie, especialmente cuando Margaret se encarga de la composición. Una joya inolvidable como "City Poison" te muestra en una fresca faceta ácida. ¿Cómo fue la confección de ese disco? ¿Qué instrumentos y efectos usaste? ¿Estabas contento con el trabajo de Guy Fixsen en la producción (lo recuerdo como uno de los ingenieros de sonido del Loveless de MBV también)?

Los conocimientos de ingeniería de Guy fueron cruciales para el sonido de "Eva Luna" y "Big Good Angel", ya que tanto yo como Mags nos dirigíamos ciegamente a aguas desconocidas. Además de los samplers Akai, utilizamos guitarras, baterías y efectos bastante estándar: el sonido está enraizado en la imaginación. Sin embargo, los brazos trémolo se usaron mucho en las guitarras para distorsionar los acordes y las notas, y yo tenía uno de los primeros pedales Digitech Whammy en el país que creaba overtones (sobretonos) y ruidos interesantes. Los tambores de Mig y el bajo en nivel dub de John permitieron mucho espacio para la experimentación, y cada miembro de la banda estaba preparado para no tocar cuando era necesario. Siempre estábamos presionando los límites de lo que cada instrumento podía hacer, algo que todavía me esfuerzo por lograr en algunas ocasiones. Guy siempre se esforzó por ayudarme y Mags obtuvo el sonido que queríamos, sin importar cuán imposible fuera el pedido.

¿Qué sucedió en la relación entre tú y Margaret Fiedler? Se mencionó hace algunos años que ya no querías trabajar con ella. ¿Solo una pelea de egos?

Un poco de choque de ego, pero más una falta de comunicación. Mags se había encerrado herméticamente con Guy (ahora estaban en una relación) mientras yo estaba resentido por el hecho que tenía que trabajar por mi mismo en mi propia banda (o eso me pareció a mí). El punto de ruptura ocurrió cuando Mags declaró que quería trabajar en un estudio separado con Guy, mientras que yo debía trabajar en otro con un ingeniero de house. Llegamos a Abbey Road sin hacer Revolver, en términos de los Beatles. Me caía súper bien y durante un par de años fuimos casi los mejores amigos, y las obras se mantienen por sí solas, así que no me arrepiento de nada. Sin embargo, creo que la alineación original tenía un par de álbumes aún mejores en nosotros, y por mi parte debería haber trabajado más duro para comunicarme.

El segundo álbum, que ya tiene una nueva formación, "The sounds your eyes can followr", muestra a Moonshake con menos guitarras y mucho más vientos. Más jazzy e influenciado por bandas como This Heat o The Pop Group. También fuiste ayudado por amigos de bandas tan geniales como Stereolab e incluso PJ Harvey. ¿Cuál era el sonido que estabas buscando esta vez? ¿Cómo te sentiste trabajando solo en la composición, me refiero a no compartir créditos con nadie?

Me había acostumbrado más al extraño easy listening al jazz basado en canciones, simplemente comprando LPs de tiendas de segunda mano sin copyright para el sampling, y luego realmente me gustaba mucho la música que contenían. Esto también restablece mis valores de producción a algo más crudo y vivo, y un poco menos 'producido'. La idea era que The Sound Your Eyes Can Follow sería mi White Light White Heat o Trout Mask Replica . Era un collage sonoro de todo el detritus de composición de canciones del siglo XX, sobre el cual estaba tratando de describir los mismos cismas urbanos de los que siempre escribo. Todavía quería voces femeninas para contribuir pero, al no haber encontrado un nuevo colaborador en ese sentido, llamé a amigos para ayudar (lo mismo sucedió en la continuación, "Dirty & Divine"). La incorporación de Ray Dickaty a los instrumentos de viento ayudó a añadir una dimensión menos "rockista" a la banda, y agregó muchos "colores" nuevos a nuestro sonido. Escribir por mi cuenta no era tan divertido, ya que todavía veía la música como un proceso de colaboración, aunque ahora estoy mucho más cómodo con ello.

¿Qué piensas sobre la escena post-rock en la que te pusieron los críticos musicales? ¿Cuál es su opinión sobre cómo evolucionó más tarde con actos como GSY! BE , Explosions in the Sky, etc?

No tengo opinión, ya que no estábamos tratando de encajar en ninguna escena y eran sólo amigos o apreciadores de algunas de las bandas más interesantes como el catálogo de Too Pure, My Bloody Valentine, Disco Inferno y Bark Psychosis. ¿Las bandas que mencionas? Sentí lo mismo sobre ellos que sobre Pink Floyd: está bien si te gusta ese tipo de cosas.

¿Cómo fue trabajar con su último sello, C / Z Records y su experiencia en Estados Unidos? ¿Crees que influyó en tu último álbum " Dirty & Divine" ? ¿Qué nos puedes decir al respecto y sobre los remixes que publicaron?

Ya estábamos ensayando y escribiendo lo que se convertiría en D & D en el momento en que firmamos para CZ, pero ese sello, a pesar de numerosos malentendidos (en parte debido a mi propia falta de gracia), nos ayudó a ser más conocidos en América del Norte y nos respaldó lo mejor que pudo mientras estuvimos allí (esto incluyó una agotadora gira de tres meses que me hizo perder dos piedras de peso y, lamentablemente, caer en una depresión que duró algunos años después, y me llevó a renunciar a hacer nueva música por un momento). Debería haber dicho "no" a los remixes, lo que no es ser ingrato para quienes hicieron un buen trabajo al crearlos, pero no somos una "banda de remixes" y las grabaciones principales son la clave.

¿Quién hizo las ilustraciones de portada para tus discos? Todos ellos son geniales.

Las portadas  de Too Pure se realizaron por Mat Skylab (también conocido como el King of Fuck), el EP para Creation por Piers Helm, TSYECF por Tim Shepherd y D & D por Caroline Schutz. Uno siempre debe vestirse bien.

Hoy en día en tiempos de retromania y el regreso de muchas bandas, ¿crees que una reunión Moonshake podría suceder? ¿Te gustaría hablar con Margaret Fiedler al respecto?

Estoy en contacto con Mags nuevamente, pero nunca hemos hablado o considerado reformar la alineación original (más un par de miembros han roto filas bastante mal). Actualmente estoy grabando lenta y laboriosamente el nuevo material que sigue al último LP de Moonshake y utiliza muchos samples destrozados, pero eso puede no surgir por bastante tiempo, aunque la tecnología nos ha alcanzado, y esos métodos de trabajo son considerablemente más simple en estos días. Reformé The Wolfhounds, pero solo como un vehículo creativo en curso, como con Moonshake, no hubo 'cobrar' por hacer.

¿Sex Pistols o My Bloody Valentine?

SP para abrir las puertas, MBV para realmente escuchar.

¿Cómo ves la situación social en el Reino Unido en estos días? Últimamente, las fuerzas conservadoras parecen ser más fuertes allá en Europa. Los británicos incluso votan por Brexit. ¿Cómo crees que afecta la música hecha por los jóvenes de hoy?

Si bien la tecnología es mucho más accesible para las personas haciendo nueva música, es mucho más difícil llegar a fin de mes. Brexit solo empeorará las cosas y reducirá el mercado de productos físicos y giras, haciendo ambos mucho más costosos y que lleve mucho tiempo producirlos. Sin embargo, no podríamos haber soñado con lo que puedes hacer con una computadora portátil en estos días, y muchas personas ahora están grabando LPs completos en casa usando solo algunos micrófonos y una Macbook, además de garageband y algunos plug-ins. Incluso grabamos algunos de nuestros últimos LP en iPhones. La falta de dinero y atención reproducen creatividad, pero la ambición de vivir de los resultados disminuirá y la música profesional se dejará a los que se consideren capacitados y respetables, y eso es una pérdida para la cultura musical del mundo. Sin embargo, todavía hay buena música y no he dejado de comprar discos.

¿Qué estás escuchando actualmente o qué bandas te gustaría recomendar a los lectores? ¿Alguna música fuera de la esfera anglo-euro?

Mi LP favorito actual es Mogoya de Oumou Sangaré: https://www.youtube.com/watch?v=Sg1JqUA5ck4 - ¿Es lo suficientemente no anglosajón para ti ...?

Otras escuchas actuales incluyen Ela Orleans, This Is The Kit, Rozi Plain, Richard Dawson, Stick In The Wheel, Meatraffle, Alias, Matt Elliot, Nadine Shah, Deerful, The Ex, Laetitia Sadier, Princess Nokia, Shavazz Palacios, Mica Levi, etcétera etcétera

¿Cuales son tus planes futuros? ¿Una compilación de Moonshake tal vez?

He estado hablando con gente acerca de reediciones en vinilo, pero poco ha surgido de ahí y prefiero no entrar en detalles. Todavía se puede oír todo en Spotify, de todos modos (aunque eso tiene sus propios detalles problemáticos, por supuesto).




MOONSHAKE INTERVIÚ .: Capital Words

The 90's of post-rock, shoegaze and experimental electronics saw the birth of privileged iconoclasts such as Pram, The Third Eye Foundation, Casino Versus Japan, Flowchart, E.A.R. and the list is almost endless. One of those geniuses for musical innovation were the English MOONSHAKE, initially led by Dave Callahan (vocals, guitars, samplers) and Margaret Fiedler (vocals, guitars, samplers), their sound was a hotbed of urban dystopias, schizophrenia, acidity and feminine lasciviousness. Already in its First EP for Creation Records a gem like "Gravity" denoted the heights that both Moonshake and Margaret in her role as Laika would reach. I remember that for those years in the store of Lenti in Los Pinos there was a giant poster on the door announcing Moonshake's "The sound your eyes can follow". The title and artwork impressed you just by arriving at the place. Those were the days of Too Pure label with bands like Seefeel, Quickspace Supersport or the already named Pram. What a label!


Moonshake ended its days releasing on C / Z Records from Seattle (USA) another brainwave under the name of "Dirty & Divine" (1996). So advanced and mindfuck like "Eva Luna" or "TSYECF". Meanwhile, some of its former members proved some success with projects such as Laika (Margaret Fiedler and Guy Fixsen) and Moose (Mig Moreland). The musical career of Moonshake may be one of the most undervalued of the world indie scene but we already know that certain art has not been made for the flies of the market. With all of you the exclusive interview with Dave Callahan from Moonshake in Peru Avantgarde, in the vanguard since always!


How did your interest in alternative avant garde music start? What bands were you into as a teenager?

Just around the time I first got interested in music, I started gravitating towards the John Peel Show on BBC Radio 1, like so many people who were teenagers then. One of the first shows I listened to (in early 1977) featured not only the Damned but also This Heat. In my naivete, I thought both were ‘punk rock’ and loved both. There’s really no such thing as ‘avant garde’ music to my mind, as it’s all minimal music played on electric instruments, and the less tuneful isn’t necessarily any better than more ‘accessible forms.

I already had albums by The Who, Beatles and Dr Feelgood by then, and my tastes were being widened by the then extremely informative weekly music press, at a time when new interesting and exciting bands were forming all the time, adn the influence of mroe extreme underground music was being felt in them. At the time i liked all the post punk bands, particularly The Slits, The Fall, and Alternative TV, but was also developing a taste for reggae, soul and jazz. Backtracking to the likes of Velvet Underground, Tim Buckley  and – later – 60s soul and garage and 50s rockabilly, was also taking place. I liked adn still do like the more raw and imaginative strands of all of it.

Why did your first band, The Wolfhounds, broke up? I red on the net you had some success with it.

We essentially broke up out of disappointment and lack of funds. Live, we were one of the very best ‘indie bands’ of the time, and our records had got consistently better and more original to consistently less and less attention, until we were no more popular than when we’d started out in the end. I’d already started to yearn to use sampling technology (which we’d alread tried out on a couple of Wolfhounds records), and I didn’t think that would go down well with the band at the time, either.

How did you meet up with Margaret Fiedler and decided to form Moonshake with her and others?

Margaret initially answered and ad in the Melody Maker to joining Wolfhounds as a guitarist/vocalist), but we decided to break up very soon after that, and I asked her if she was up for welding noise, samples, dub and rock together, and she leapt at the chance. It helped that I had a sort of development deal with Creation at the time (they’d followed Wolfhounds throughout our ‘career’, and were interested in picking us up at the end) – this meant we were up and running almost straight away, and working with people of an apparent like mind.

As Moonshake you were signed by two of the biggest indie labels of all times, Creation Records and Too Pure. How did you connect with these people? Tell us about your relationship with them. Any anecdote to share?

Our relationship with Creation went sour quite quickly due to our slow and faltering attempts to make our own sound and their apparent reliance on bands being flavours of the week. We were playing the long game, and decided to leave after a few mis-steps led to us getting bad reviews, and an embarrassing TV chart show appearance, where our record was played at the wrong speed because we had no video available. We were already managed by Too Pure, and after some inappropriate meetings with some of the fake indies of the day, we suddenly thought of joining Too Pure, the label Paul and Richard were already running, which was putting out brilliant records by Stereolab, Th’ Faith Healers and PJ Harvey already (bands we’d played with regularly). What a roster to join!



Your sound on “Eva Luna” is sometimes art punk and sometimes indie, especially when Margaret is in charge of the composition. A unforgettable gem like City Poison shows you on a cool acid facet. How was the concoction of that record? What instruments and fx did you use? Were you happy with Guy Fixsen’s work on the production (I remember him as one of the sound engineers of MBV’s Loveless too!)?

Guy’s engineering knowledge was crucial to the sound of "Eva Luna" and "Big Good Angel", as both myself and Mags were heading blindly into unknown Waters. Other than the Akai samplers, we used pretty standard guitars, drums and effects – the sound is all rooted in the imagination. However, tremolo arms were used heavily on the guitars to distort chords and notes, and I had one of the first Digitech Whammy pedals in the country which made for interesting overtones and noises. Mig’s drums and John’s dub-level bass allowed plenty of room for experimentation, and each member of the band was prepared to not play when necessary. We were always pushing at the boundaries of what each instrument could do, something I still strive too achieve on occasion. Guy was always endeavouring to help me and Mags get the sound we wanted, no matter how impossible the request.

What happened on the relationship with you and Margaret Fiedler? She told some years ago that you didn’t want to work with her anymore. Just a fight of egos?

A bit of an ego clash, but more of a lack of communication. Mags had hermetically sealed herself in with Guy (they were now in a relationship) while I was resenting the fact that I had to work on my own in my own band (or that’s how it seemed to me). The breaking point happened when Mags stated she wanted to work in a separate studio with Guy, while I was supposed to work in another with a house engineer. We’d reached Abbey Road without ever making Revolver, in Beatles terms. I liked her very much and for a couple of years we were almost each others’ best Friends, and the Works stands on its own, so i don’t regret any ofi t. I do think that the original line-up had a couple of even better albums in us, though, and I for one should have worked harder at communicating.

The second album already with a new line-up, “The sound your eyes can follow”, shows Moonshake with less guitars and lots of more winds. More jazzy and influenced by bands like This Heat or The Pop Group. Also you were helped by friends from such cool bands like Stereolab and even PJ Harvey. What was the sound you were looking for this time? How did you feel working alone on composition, I mean sharing credits with no one?

I’d been getting more into weird easy listeneing and song-based jazz merely by buying out-of-copyright junk shop LPs for sampling, and then actually liking a lot of the music on them. This also reset my production values to something more raw and live, and a bit less ‘produced’. The idea was that "The Sound Your Eyes Can Follow" would be my "White Light White Heat" or "Trout Mask Replica". It was a sound collage of the whole of the 20th Century’s songwriting detritus, on top of which I was trying to describe the same urban schisms I always write about. I still wanted female voices to contribute but, not having found a new collaborator in that sense, I called on friends to help out (the same thing happpend on the follow-up, Dirty and Divine). The addition of Ray Dickaty on wind instruments helped add a less ‘rockist’ dimension to the band, too, and he added a lot of new ‘colours’ to our sound. Writing on my own wasn’t quite as much fun, as I still viewed music as a collaborative process, though I’m much more comfortable with it now.

What do you think about the post-rock scene you were put into by music critics? What’s your opinion on how it evolved later with acts like GSY!BE, Explosions in the Sky, etc?

I have no opinión, as we weren’t trying to fit into any scene and were only friends with or appreciators of a few of the more interesting bands like the Too Pure roster, My Bloody Valentine, Disco Inferno and Bark Psychosis. The bands you mention? I felt the same about them as I felt about Pink Floyd: it’s alright if you like that kind of thing.

How was working with your last label, C/Z Records and your experience in USA? Do you think it influenced your last album “Dirty & Divine”? What can you tell us about it and about the remixes they put out?

We were already rehearsing and writing what would become D&D by the time we signed to CZ, but that label, despite numerous misunderstandings (partly due to my own lack of grace), very much helped us become more well known in North America, and backed us to the best of their ability while we were there (this included an exhausting three-month tour that saw me losing two stones in weight and unfortunately falling into a depression that lasted for some years afterwards, and resulted in me giving up making new music for a while). I should have said ‘no’ to the remixes, which is not to be ungrateful to those who did a good job making them, but we’re not a ‘remix band’ and the main recordings are the thing.

Who did the cover artworks for your discs? All of them are terrific.

The Too Pure sleeves were done by Mat Skylab (aka the King of Fuck), the Creation EP by Piers Helm, TSYECF by Tim Shepherd and D&D by Caroline Schutz. One should always dress well.

Nowadays in times of retromania and the return of lots of bands, do you think a Moonshake reunion could happen? Would you like to talk with Margaret Fiedler about it?

I’m in touch with Mags again, but we’ve never talked about or considered reforming the original line-up (plus a couple of members have fallen out quite badly). I’m currently slowly and painstakingly recording new material which follows on from the last Moonshake LP and uses a lot of mangled samples, but that may not emerge for quite some time yet – though technology has caught up with us, and those working methods are considerably simpler these days. I reformed The Wolfhounds, but only as an ongoing creative vehicle – as with Moonshake, there was  no ‘cashing in’ to be done.

Sex Pistols or My Bloody Valentine?

SP for opening the doors, MBV for actually listening to.

How do you see the social situation in UK these days? Lately the conservatives forces seem stronger there in Europe. British even vote for Brexit thing. How do you think it affects music made by today’s youth?

While technology is much more accessible to people making new music, it’s much harder to make ends meet. Brexit will only make this worse, and will cut down the market for physical products and touring, making both much more expensive and time-consuming to produce. However, we couldn’t have dreamed of what you can do with a laptop these days, and many people are now recording full LPs at home using just a few mics and a Macbook, plus garageband and some plug-ins. We even recorded some of our recent LP on iPhones. Lack of money and attention will breed creativity, but ambitions to actually make a living from the results will decline and professional music will be left to those deemed trained and respectable, and that’s a loss to the world’s musical culture. However, there’s still great music being made and I haven’t stopped buying récords.

What are you currently listening to or what bands would you like to recommend to the readers? Any music outside the anglo-euro sphere maybe?

My current favourite LP is Mogoya by Oumou Sangaréhttps://www.youtube.com/watch?v=Sg1JqUA5ck4 – is that non-Anglo enough for you ..?

Other current listens include Ela Orleans, This Is The Kit, Rozi Plain, Richard Dawson, Stick In The Wheel, Meatraffle, Alias, Matt Elliot, Nadine Shah, Deerful, The Ex, Laetitia Sadier, Princess Nokia, Shavazz Palaces, Mica Levi, etc etc

What are your future plans? A Moonshake compilation perhaps?

I’ve been talking to people about vinyl reissues, but little has come of it yet and I’d rather not go into the details. You can still hear everything on Spotify, anyway (though that has its own problematic details, of course).


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